Las vanguardias del siglo XX. La ruptura con la tradición artística: Expresionismo, Futurismo, Constructivismo y el Neoplasticismo

 El arte de la primera mitad del siglo XX se vive en un contexto agitado y deshumanizador.

Procesos como la Primera Guerra Mundial, la Revolución Rusa, La Gran Depresión, los fascismos, la Guerra Civil española, la Segunda Guerra Mundial han dejado horrores de una magnitud desconocida hasta ese momento.

Por otro lado, los físicos discuten sobre la naturaleza de la luz. 

El microscopio y la fotografía aérea descubren otra realidad. 

Einstein ha cambiado el concepto de tiempo y espacio. Freud y el psicoanálisis resaltan la importancia del subconsciente.

Es absurdo mantener inamovibles los principios artísticos cuando el mundo cambia en aspectos tan importantes como el conocimiento científico y los nuevos problemas de dimensión planetaria.

Las artes plásticas siguen el camino abierto por el postimpresionismo y buscarán más la interpretación que la representación.

París se convierte en la capital del arte europeo y en París viven artistas que valoran la libertad para exponer en los Salones de Independientes y de Otoño sin ningún tipo de trabas ni dictados academicistas.

Aparecen las llamadas vanguardias históricas, entendiendo por vanguardia la acción de un individuo o de un colectivo que se enfrenta con situaciones establecidas , provocando rupturas:

• Fauvismo, transforma la realidad mediante colores arbitrario.
• Expresionismo, la deforma.
• Cubismo. Picasso, geometriza la realidad.
• Futurismo, la relaciona con la máquina, con la velocidad.
• Abstracción. La realidad desaparece.
• Dadaísmo. La realidad es elevada a categoría de obra de arte por la sola voluntad del artista.
• Surrealismo. Lleva la realidad al mundo del absurdo.

Nos detenemos ahora un poco en cada uno de los cuatro estilos que nos piden en el título:

EXPRESIONISMO

El expresionismo se centra en la expresión de los sentimientos y emociones humanas.

Para ello deforman la figura, emplean colores arbitrarios aplicados con trazos violentos.

Refleja la angustia, la soledad del ser humano en épocas terribles de la historia.

Es la vanguardia a la que más recurren los artistas del S. XX.

Pero ya antes de este siglo otros artistas se han expresado mediante estos recursos: Goya, Van Gogh, Gaugin...

Se desarrolla intensamente en Alemania y responde a una forma de ver la vida de los países nórdicos.

La figura más destacada de este movimiento es Edvard Munch.

         MUNCH

Su trayectoria vital estuvo marcada por el sufrimiento y la muerte desde su infancia: su madre murió de tuberculosis cuando tenía cinco años. A los trece años tuvo esa misma enfermedad, que logró superar, pero no así su hermana, que murió al año siguiente. Algo más tarde, en 1889 murió su padre. No es de extrañar que acabara pensando que el sufrimiento era una maldición hereditaria de su familia.
A Munch le preocupa el tema de las relaciones humanas, tiene una visión negativa de la experiencia vital, de la indefensión humana, de la pequeñez, soledad humana.

El sexo es otro tema que le provoca una visión negativa y morbosa.

Vive angustiado, tiene problemas psíquicos... su universo es la angustia vital; también la impotencia del ser humano ante la muerte.

Todos estos sentimientos son los que vuelca en su pintura.

La obra más icónica de Munch y probablemente una de las más conocidas de este estilo y de toda la historia de la pintura es El grito.

Se trata de una obra tremendamente expresiva, por la poderosa carga expresiva y de angustia y desesperación que transmiten los colores vivos y contrastados, las líneas curvas, que producen sensación de dinamismo y la composición diagonal, con el personaje deformado del primer plano.

Pincha aquí para ver algunas otras obras de Munch.

Y aquí para ver otro vídeo que nos cuenta alguna cosa más de esta obra y que nos puede servir para entender por que esta obra es tan icónica.

Además de Munch, podemos citar a algunos otros pintores expresionistas en dos generaciones sucesivas. 

Una primera, con el grupo El Puente (Die Brücke), con influencias del fauvismo en el uso del color y del cubismo, por las formas angulosas.

Y una segunda generación con el grupo El jinete azul (Der Blaue Reiter), con influencias de los simbolistas, de los modernistas y de Munch.

De El Puente, podemos destacar a pintores como Ernst Kirchner o Emil Nolde.

De El jinete azul, podemos destacar a Franz Marc y a Vassily Kandinsky.

(Os dejo por aquí algunos ejemplos de sus obras)

          

Cinco mujeres en la calle, de Kirchner 

Danza en torno al becerro de oro, de Nolde

Franz Marc: Pintó los animales y la naturaleza como símbolo de pureza, dando al color un carácter simbólico.

Improvisación XIV

Kandinsky buscaba armonías de forma y color que expresasen un estado emocional, sin necesidad de argumento. Fue un pionero en la pintura abstracta, al usar manchas de color sin referencias figurativas.

https://www.youtube.com/watch?v=C4xIvhz7yhI&t=1s

FUTURISMO

Marinetti (un ideólogo, poeta italiano) publica en 1909 el Manifiesto de Fundación del Futurismo, que proclama el rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por la máquina, la velocidad y la ciudad. El futurismo surgió en Milán y desde la ciudad lombarda se difundió con rapidez por algunos países de Europa, siendo en París donde se establecerá el otro núcleo de producción . 

El presentimiento de la Primera Guerra Mundial es saludado con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total permita hacer tabla rasa y construir desde cero la nueva cultura occidental. Muchos de ellos se alistaron de forma voluntaria pero la guerra supondría al final del grupo.

Escribía Filippo Tommaso Marinetti en su "Manifiesto Futurista", publicado en 1909: "Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia".

La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. 

En su manifiesto hay otro punto que dice:

"Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer".

 La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento.

BOCCIONI 

Umberto Boccioni fue una de las figuras más importantes del movimiento futurista.

En 1901 se transladó a Roma, donde aprendió la técnica del divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después viajó a París, Rusia y Venecia, donde se matriculó en la escuela de Bellas artes. Más tarde se estableció en Milán, donde conoció al joven poeta Filippo Marinetti, autor del Manifiesto de la poesía futurista, de 1909. Desde entonces se unió al futurismo, colaborando en la redacción del manifiesto de la pintura futurista (1910) y en el Manifiesto de la escultura futurista (1912) y participando activamente en exposiciones.

Con el inicio de la Primera Guerra Mundial se mostró favorable al conflicto armado, muriendo en el frente en 1916.

Aclaraciones: 

- La técnica del divisionismo en manos de Giacomo Balla era un método de aplicación del color basado en la separación de tonos puros para lograr efectos ópticos de luminosidad y vibración, y que sirvió como una etapa fundamental en su evolución artística hacia la representación del dinamismo futurista.

Niña corriendo en el balcón. 

De Giacomo Balla.El artista pretende representar 

el movimiento continuo de un ser humano.

- Umberto Boccioni murió a causa de las heridas sufridas al caerse de su caballo durante un ejercicio militar de caballería. Fue pisoteado por el animal y falleció al día siguiente, el 17 de agosto de 1916, cerca de Verona, Italia. Tenía tan solo 33 años.

Para entender bien este movimiento, podemos acercarnos a una de las obras más representativas del mismo y del propio Boccioni: 

Formas únicas de continuidad en el espacio. 

Escultura exenta. Bronce. 1913.

Se trata del retrato de un cuerpo antropomórfico que camina hacia delante con decisión. Reproduce el movimiento de la figura a partir de la proyección, en un mismo plano espacial, de la musculatura corporal, sobre todo el pecho y las piernas.

La escultura se configura a partir de una superposición de volúmenes, como si se tratase de una secuencia fílmica en la que las imágenes, en lugar de ir apareciendo unas detrás de otras, se fuesen colocando sobre la precedente, sin que esta desapareciese. El resultado de esa simultaneidad temporal, que reproduce el sentido de la acción del personaje, es una figura distorsionada parecida al planteamiento cubista, que consiste en encuadrar en un mismo plano puntos de vista diferentes (simultaneidad espacial).

Con el fin de recrear esta percepción del desplazamiento, Boccioni utiliza numerosas formas geométricas de perfiles angulosos, potenciadas visualmente gracias a la superficie brillante y pulida del bronce. El juego de fuerzas contrarias potencia el dinamismo, dando lugar a una composición abierta que se relaciona con el entorno. Los pies de la figura descansan sobre dos plataformas cuadrangulares que se elevan respecto al plano y acentúan la sensación de ligereza.

En cuanto a la temática, Boccioni con esta escultura tridimensional de un cuerpo enérgico y poderoso en acción, pretende reproducir la energía interna y dinámica del ser humano.

Para algunos críticos, esta escultura recoge la esencia de la teoría nietzsheana del "superhombre" (mitad humano, mitad máquina), que se desarrolla en libertad rompiendo las barreras y las normas que le tenían atrapado.

Pincha aquí para ver una analogía esta obra y otra mucho más "clásica"

En pintura, la pincelada fragmentada de la técnica divisionista (aprendida de Giacomo Balla) le permitió representar mejor el dinamismo del movimiento futurista, como podemos ver en obras como:

Carga de lanceros. 

https://www.youtube.com/watch?v=847y5CGCqys&t=2s

Nos quedan por ver dos vanguardias que nos llevan hacia la abstracción geométrica, el Constructivismo (con el Suprematismo de Malevich) y el Neoplasticismo. Como introducción a ambos estilos, podemos decir lo siguiente:

Muchas corrientes de vanguardia acabaron desembocando en un arte no figurativo, aunque fueron pocos los artistas que dieron el paso hacia la abstracción. Las principales propuestas de la abstracción se dieron entre 1910 y 1917, cuando ya habían madurado las primeras experiencias de las vanguardias. La abstracción nunca fue un movimiento único ni sujeto a un programa, pero sus variantes se pueden agrupar en torno a dos vías: una vertiente cromática, originada en el expresionismo y el fauvismo (como ya hemos visto en Kandinsky) y otra geométrica, vinculada más al cubismo, y que veremos a continuación en los autores constructivistas y neoplasticistas.

CONSTRUCTIVISMO

El Constructivismo surgió en Rusia tras la revolución y simbolizaba el orden revolucionario y la libertad creativa de la sociedad socialista. Fue un tendencia que avanzó hacia la abstracción geométrica rechazando los volúmenes tridimensionales y las referencias figurativas de los objetos. Pero fracasó, pues tanto Lenin como Stalin prefirieron el realismo socialista como propaganda de la revolución, más comprensible por el pueblo. 

Vladimir Tatlin (1885-1953) fue uno de sus principales representantes. Su Proyecto para el monumento a la Tercera Internacional (1919) tenía 400 metros de altura y estaba hecho a base de dos cilindros y una pirámide de vidrio girando y rodeados de una espiral de hierro, que quería simbolizar el avance tecnológico y el progreso de socialismo. La llegada al poder de Stalin provocó que nunca se realizase.

Maqueta del monumento en Moscú en 1920.

De este movimiento, en el campo pictórico, podemos destacar a Kasimir Malevich (1878-1935), fundador del Suprematismo. Poco antes de la revolución, alcanza la abstracción total hasta el punto de pintar su mítico Cuadrado negro sobre fondo blanco, todo un hito de las vanguardias artísticas. Nace así el suprematismo que tanto había buscado, un movimiento que predica la supremacía de la nada y la representación del mundo a través de formas geométricas.

Pincha aquí para leer un comentario bastante crítico sobre esta obra.

Y aquí para ver cómo Malevich es capaz de darle una vuelta más de tuerca al tema de la abstracción

NEOPLASTICISMO

El Neoplasticismo fue otro movimiento abstracto que surgió en torno a la revista holandesa De Stijl. Uno de sus representantes más destacado es

Piet Mondrian, con un tipo de pintura racionalista de formas ortogonales, líneas rectas y colores puros aplicados de manera totalmente plana, que influyó en la arquitectura de la Bauhaus. Pese a que Modrián había comenzado siendo un pintor cercano al academicismo, tras su paso por Francia y su etapa cubista (al entrar en contacto con Brake entre otros), con la llegada de la guerra, vuelve a Holanda y  funda con otros pintores la revista De Stijl. Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través de planos de colores primarios y líneas rectas.

Composición en rojo, amarillo y azul

Esta es una de las obras más conocidas y representativas de la obra de Mondrian. En ella queda reflejada una de las propuestas más radicales del movimiento abstracto del siglo XX, en donde la figuración (o sus recuerdos, como en el caso de Kandinsky) han desaparecido por completo.

Pincha aquí para ver algunas obras de Mondrián, desde las iniciales (figurativas) hasta las más neoplasticistas.

Aclaración: 

La Bauhaus fue una escuela de arte y diseño alemana muy influyente que funcionó entre 1919 y 1933. Fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, la escuela tenía como objetivo unificar las bellas artes, la artesanía y la tecnología, con el objetivo de crear una "obra de arte total".Obra de arte total) que transformaría el mundo material. La Bauhaus cerró en 1933 debido a la creciente presión política del Partido Nazi.

De Kandinsky a Malevich, pasando por Mondrian: